Weblog de Joël Riou

Virage à droite à l'Opéra Bastille

2012-01-28 17:10+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Mise à jour du 15 mars : Ce billet a été écrit alors que seule la tarification pour le Ring 2013 était connue. L'annonce de l'ensemble de la saison 2012/2013 confirme les craintes exprimées ici.

Les personnes suivant l'actualité de l'Opéra Bastille avaient entendu parler d'un projet de modification du dispositif de surtitrage pour que ces surtitres soient visibles de partout. Plus récemment, un article de propagande du Figaro faisait dire au directeur Nicolas Joel (sans tréma) :

Sur le plan tarifaire, depuis trois ans, les places n'augmentent pas. Elles vont même baisser la saison prochaine...

Tant de mauvaise foi en si peu de mots... D'un air désabusé, sur le forum ODB, j'avais imaginé le pire : Vu que des travaux pour que les surtitres soient visibles de partout ont été annoncés, pourquoi ne pas faire disparaître la catégorie 7 (ou ne laisser à la rigueur que les deuxièmes rangs de galeries et les 4 strapontins du deuxième balcon)....

Par curiosité, j'avais demandé il y a quelques semaines à recevoir la brochure pour le Ring 2012/2013 à l'Opéra Bastille (que j'ai déjà vu sur les années 2010 et 2011 : Das Rheingold, Die Walküre, Siegfried, Götterdämmerung). Je ne l'ai reçue qu'aujourd'hui, et j'ai pu constater que ma prédiction de malheur s'est réalisée.

Voici le plan de salle 2011/2012 :

Et voici celui de 2012/2013 :

Si vous n'avez pas l'habitude de ce plan, vous n'y voyez pas grand'chose, c'est normal... Le code couleur est le même dans les catégories Optima et 1-6. Les catégories 7-8 sont en blanc sur ce deuxième plan parce que ces places ne sont pas proposées par abonnement. Pour y voir plus clair, concentrons-nous sur un détail, le premier balcon de côté :

J'espère ne pas faire d'erreur de comptage, mais à gauche, on a 2 rangs rouges, 3 rangs bleus, 2 rangs bleu ciel, et 3 rangs orange (les hachures violettes correspondent à une tarification différente pour les ballets). Dans chaque colonne de dix rangs, on avait ainsi donc 2 places de catégorie 1, 3 places de catégorie 2, 2 places de catégorie 4 et 4 places de catégorie 7. Au tarif des superproductions (ratées, en général), cela fait 2×170€+3×150€+2×105€+3×15€=1045€.

À droite, il semble qu'il y ait 3 rangs rouges (catégorie 1), 2 rangs bleus (catégorie 2), 1 rang jaune (catégorie 3), 2 rangs bleu ciel (catégorie 4), 1 rang violet (catégorie 5) et 1 rang vert (catégorie 6). Avec le nouveau tarif (avant ristourne spécial Ring), cela nous fait 3×155€+2×135€+1×115€+2×90€+1×70€+1×35€=1135€.

À vrai dire, je m'aperçois du fait que la grille proposée (155€/135€/115€/90€/70€/35€) ressemble beaucoup à la grille du tarif N actuel (celle utilisée cette année pour les reprises de Don Giovanni et Rigoletto). Comme annoncé dans l'article du Figaro mentionné ci-dessus, elle correspond à une baisse de 5€ en catégories 4/5/6 par rapport au tarif N 2011/2012 : 155€/135€/115€/95€/75€/40€ (catégorie optima inchangée à 180€). Si je refais le calcul du prix d'une colonne de premier balcon de côté, j'obtiens 2×155€+3×135€+2×95€+3×15€=950€.

On nous annonce une baisse des tarifs et effectivement on observe une baisse de 5€ dans certaines catégories de places, mais pourtant on passe de 950€ de recettes par colonne de premier balcon de côté à 1135€ (environ 19% de hausse). Vous l'avez deviné depuis le début, il suffisait de changer les couleurs du plan de salle. On a vu le principe avec le premier balcon, mais il y a d'autres glissements de frontières entre catégories à d'autres endroits (en particulier au parterre). La seule bonne nouvelle que je voie est qu'au centre du deuxième balcon, il y a trois rangs qui passent de 75€ à 35€ (48 places).

Les conséquences immédiates, c'est que les gueux qui prenaient des places 15€, après avoir été écartés du parterre lors de la saison 2011/2012, seront écartés du premier balcon en 2012/2013. Il ne leur reste plus que 4 misérables strapontins au deuxième balcon et des places aux galeries. Vertigineux, s'abstenir.

Tant que j'y suis, je vous donne la grille tarifaire du Ring 2012/2013 incluant la remise (en divisant les chiffres par 4 pour garder un prix par représentation plutôt que par cycle) :

(Précision : ce sont les tarifs pour les cycles s'étendant sur plusieurs mois. Ceux du cycle de juin 2013 sont plus chers (et excluent pour le moment les catégories 5 et 6) : ajouter environ 60% puis 4×15€=60€ de programmes en vente liée.)

La TVA est traditionnellement considérée comme un impôt injuste par la gauche parce que le même taux s'applique à tout le monde, que l'on gagne peu ou beaucoup. Le principe de la redistribution fiscale (qui est plus ou moins celui de l'impôt sur le revenu), c'est d'appliquer un taux d'autant plus élevé que les revenus sont importants. L'Opéra applique une idéologie toute contraire. Si le même taux de réduction avait été appliqué à toutes les catégories, les réductions les plus importantes auraient déjà été accordées aux catégories les plus chères (puisque la réduction aurait été proportionnelle au prix), mais avec ce taux de réduction variant dans le mauvais sens, l'injustice est plus grande encore.

Du point de vue artistique, les rumeurs à propos de la saison 2012/2013 laissent à penser qu'elle sera globalement encore moins intéressante que la saison 2011/2012. Qu'aller à l'Opéra Bastille devienne inabordable fournit une raison de plus pour ne plus trop fréquenter ce lieu. L'herbe est peut-être plus verte ailleurs...

PS: Pour donner une idée de la façon dont les classes moyennes sont éjectées de l'Opéra Bastille, jusqu'à la saison 2010/2011, il y avait environ 320 places à 20€ et moins, en 2011/2012, 165 places (à 15€ et moins, le tarif à 20€ ayant disparu) et a priori, en 2012/2013, il n'en resterait plus qu'à peu près 85. Deux baisses consécutives de 50%, ça fait une baisse de 75%...

Voir aussi le billet de David-fomalhaut.

Lien permanent — Commentaires

Programme Haydn/Brahms pour l'Orchestre de Paris

2012-01-24 03:47+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Décidément, l'Orchestre de Paris me plaît en ce moment. Il y a deux semaines, les musiciens jouaient sublimissimement Une vie de héros de Strauss. La semaine dernière, c'était la Symphonie alpestre, pas aussi extraordinairissime, mais quand même pas mâââl (allez voir chez Klari ou Andante con anima pour plus de détails).

C'est bien sûr pour la symphonie de Haydn La Poule que j'avais inclus ce concert à mon abonnement. Toutefois, j'ai un a priori négatif avec les symphonies parisiennes de Haydn parce que ce sont celles dont le style me semble le plus proche de celui de Mozart (ce qui n'est pas un compliment pour moi : je préfère Haydn quand il est lui-même). Si certains effets m'énervent un peu, globalement cela reste du Haydn, avec son lot de plaisanteries. Dans le premier mouvement, on a effectivement l'impression d'être dans une basse-cour. Dans le deuxième, on se prend de temps en temps de grosses gammes descendantes aussi inattendues que pas finaudes. Immédiatement après, les cordes répètent la même note sur un rythme monotone en un decrescendo qui va jusqu'à évanouissement complet du son. Un peu plus loin, on entendra un effet différent : la note variera très légèrement et la façon de la jouer me rappelera immédiatement le début du premier mouvement de l'Hiver de Vivaldi. Bref, comme d'habitude, Haydn s'amuse pour le plus grand plaisir des auditeurs...

L'effectif orchestral grandit légèrement (on passe de 4 à 6 contrebasses). Entre la violoniste Viktoria Mullova, dans une affriolante robe noire toute en transparences. Je ne sais pas si c'est la faute à Brahms, à l'interprète ou à mon placement à l'arrière-scène, mais je n'ai vraiment pas passé un bon moment pendant l'écoute du concerto pour violon de Brahms. Je ne suis pas un grand admirateur de ce compositeur. Certes, il y a quelques passages orchestraux sympathiques (comme la mini-pièce de musique de chambre pour instruments à vents qui se trouve au début du deuxième mouvement). Toutefois, j'ai eu l'impression que la violoniste devait lutter contre l'orchestre pour se faire entendre, le résultat paraissant moins fignolé qu'on pourrait s'y attendre. Le chef semblait pourtant assez bienveillant, faisant diminuer le volume avant les entrées de la violoniste et libérant à fond les décibels quand elle finissait ses phrases.

Il semblerait que j'aie déjà entendu la deuxième symphonie de Brahms lors d'un concert de l'orchestre de l'Opéra dirigé par Georges Prêtre. Après le concert de ce soir, j'ai rétrospectivement l'impression d'avoir été trompé sur la marchandise (à l'époque, je n'avais déjà pas été très enthousiaste). L'effectif orchestral s'est encore étoffé pour l'interprétation de cette œuvre (huit contrebasses). Avant le Haydn, un couple de spectateurs ayant quelques décennies de plus que moi au compteur se disputaient à ma droite pour savoir où étaient les clarinettes et où étaient les hautbois. La dame m'a demandé mon opinion. Cela a sans doute ragaillardi ma voisine de gauche qui à la fin de l'entr'acte a sollicité mon expertise à propos des instruments rouges (qui font pouët-pouët aurais-je dû compléter), les fameux bassons.

Malgré les nombreux moments adorables dans cette œuvre, je pense qu'il me faudra encore quelques écoutes pour véritablement apprécier cette symphonie de Brahms tant elle m'a parue touffue (surtout le premier mouvement). Le chef Paavo Järvi que je n'avais pas vu depuis novembre et La symphonie fantastique semble avoir manifestement envie de très bien faire. Sans se défaire de sa bonhomie coutumière, il paraît très concentré. Quand le quatrième mouvement s'enchaîne au troisième, les musiciens semblent pris d'une ivresse collective. Chez les altos, David Gaillard (qui jouait lundi dernier aux Bouffes du Nord !) semble communiquer sa bonne humeur à son voisin Nicolas Carles. Partout dans l'orchestre, que ce soient chez les bassons ou les contrebasses, cela respire la joie de jouer. Les épaules se dandinent en rythme, que les musiciens jouent à ce moment précis ou non (pas la peine de nier, on vous a vus ! et on espère bien le revoir !). Cela fait très plaisir de voir l'orchestre dans cet état de volupté collective. Pour cette raison, je pardonne volontiers à Brahms la fin très hydravionesque de cette symphonie.

Ailleurs : Andante con anima.

Lien permanent — Commentaires

Janáček aux Bouffes du Nord

2012-01-24 00:13+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Fantabulissime ! Je n'ai pas d'autre mot. Fantabulissime !

Ailleurs : Klari, Palpatine, Grignotages.

Lien permanent — Commentaires

Programme Ravel au TCE (Rotterdam/Antonacci/Nézet-Séguin)

2012-01-22 23:59+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Sublime concert Ravel de l'Orchestre Philharmonique de Rotterdam dirigé par Yannick Nézet-Séguin. Pendant la première partie du concert, on entend Shéhérazade, dont le texte est chanté par Anna Caterina Antonacci (que j'entends pour la douzième fois : elle égalise le score de Natalie Dessay et de Ludovic Tézier). Ce soir, habillée d'une superbe robe rouge (assortie aux très hauts talons) dont elle tient un pan de la main gauche, elle était assurément dans son élément. Le texte n'est pas parfaitement intelligible quand le vaillant orchestre prend le dessus, mais il l'est suffisamment pour que j'arrive à suivre. Si la voix de cette chanteuse que j'admire depuis longtemps m'avait parfois semblé un peu rauque par le passé, ce soir, son timbre de voix m'a paru au contraire très séduisant, parfaitement adapté à cette œuvre d'un exotisme qui peut sembler quelque peu dépassé aujourd'hui (ah, cette évocation de la Chine...).

L'orchestre est impressionnant. Les vigoureux coups d'archet semblent parfaitement synchronisés entre tous les pupitres. Les vents sont fabuleux (les flûtistes !). Le jeune chef dirige l'orchestre en battant la mesure de façon très énergique.

Pour la musique du ballet Daphnis et Chloé, les musiciens sont accompagnés d'un chœur de plus de 80 chanteurs, le Wiener Singakademie. Associé à l'orchestre, le chœur, qui ne chante que des vocalises (parfois bouche fermée) contribue aux atmosphères envoûtantes de l'œuvre.

Lien permanent — Commentaires

La biennale de quatuors à cordes à la Cité de la Musique

2012-01-21 23:38+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Ces jours-ci a lieu la biennale de quatuors à cordes à la Cité de la Musique. En 2010, j'étais allé à deux concerts. Cette année, j'en aurai vu cinq. J'ai suivi les conseils de Bladsurb, à savoir de tenter l'amphithéâtre, qui a été le lieu des trois premiers concerts de la série, concentrés le week-end dernier :

Globalement, ce concert du Quatuor Thymos (avec un changement de violoncelliste depuis l'année dernière, est-ce temporaire ou permanent ?) a été le plus équilibré des cinq concerts que j'ai vus. Il est à noter que les deux violonistes ont échangé leurs rôles au cours du concert : Gabriel Richard a été violon I dans le Haydn, Eiichi Chijiiwa l'a été dans la suite du programme. Ce concerto de Haydn m'a procuré beaucoup de plaisir. Le quatuor nº9 de Rihm a été l'occasion de faire plus ample connaissance avec ce compositeur (passage quasi-obligé de tous les quatuors pendant la biennale). J'ai beaucoup craint pour l'instrument de Valérie Aimard, qui utilisait son archet comme un marteau pour frapper les cordes. À l'exception du quatuor de Rihm joué par le Borodin quartet, les autres quatuors de Rihm que j'ai entendus ces derniers jours faisaient un certain usage de cette technique, hum, surprenante... Si ces quatuors de Rihm ne m'ont guère passionné, certains moments n'étaient pas inintéressants.

Pour moi, la grande découverte est venue en deuxième partie de concert avec le quatorzième quatuor de Beethoven. Je ne connaissais pas du tout la musique de chambre de ce compositeur. Ce quatuor est absolument sublime. L'ambiance est toute différente de celle des quatuors de Haydn. Écouter Haydn, comme avec ces musiciens, cela devrait être toujours un plaisir (remboursé par la Sécu ?). On imagine que le compositeur utilise tous les stratagèmes pour attirer l'attention de l'auditeur et le divertir. Chez Beethoven, et particulièrement dans ce quatuor, on entre avec recueillement dans un autre monde, beaucoup plus intériorisé.

⁂

Je n'ai que peu de souvenirs du quatuor d'Alexander von Zemlinsky qui donne son nom à cette formation. Ce concert me donne cependant l'occasion de me dire qu'il faudrait accorder aux violonistes et altistes une dispense de porter le nœud papillon. Parmi les musiciens, il semble qu'il y ait deux stratégies. Le plus souvent la mentonnière de l'instrument vient écraser le nœud papillon : les dommages éventuels au tissu restent cachés. Dans de plus rares cas, le musicien applique la mentonnière sur l'autre face du nœud ce qui tend à faire pivoter celui-ci. C'est ce qui s'est passé avec le premier violon du quatuor, dont le nœud finissait systématiquement tourné presque de quatre-vingt-dix degrés à la fin des morceaux...

Un incident s'est produit pendant le très percussifs quatuor de Rihm qui a été joué. Si le premier mouvement était entièrement pizz. (avec en outre le curieux mot kata prononcé par les musiciens), la suite a été percussive. Ainsi maltraité, l'archet de l'altiste a tenté de s'enfuir en faisant un vol plané. Le musicien a heureusement pu le récupérer, apparemment pas trop amoché par le crash, et continuer à jouer. (Il est d'ailleurs à noter que ce musicien avait sur son pupitre la partition complète du quatuor avec les quatre parties : le conducteur).

Le quatuor de Beethoven interprété était très différent de celui entendu la veille. L'atmosphère y était très vivifiante !

Un très bel extrait d'une œuvre d'Erwin Schulhoff a été jouée en bis ! (Cf. Youtube pour voir à quoi cela ressemble.)

Les concerts s'enchaînent, mais j'ai le temps de prendre un café avant celui qui suit :

J'ai survécu à un Rihm de 50 minutes ! J'en ai complètement oublié le quatuor de Mozart de la deuxième partie du concert. Si cela semble être l'habitude à la Cité de la Musique d'ajouter les titres des bis sur la page du concert sur le site Internet, curieusement, cela n'a pas été fait ici. Je n'ai donc pas été le seul à n'avoir pas compris l'annonce du bis faite en anglais avec un accent grec fort prononcé. On leur pardonne, ils sont jeunes et fougueux, un jour ils sauront déclamer un Tchaikovski, Andante cantabile dénué de toute ambiguité comme le fera impérieusement le premier violon du quatuor Borodin quelques jours plus tard.

⁂

Ce concert, comme le suivant, a lieu dans la salle des concerts (modulable). Même si je commence à m'y habituer, je ne fréquente pas si souvent que cela cette salle. En ouvrant ma pochette rouge de billets d'abonnements, je n'imaginais absolument pas que la place nº102 était située vers le milieu du premier rang de face. Est-ce la récompense d'avoir déposé mon formulaire d'abonnement le premier jour ?

L'interprétation du quatuor nº8 m'a modérément plu, même si chacun des musiciens a l'occasion de s'y mettre en valeur. Le Rihm en début de deuxième partie est beaucoup plus classique (par les sonorités) que les autres entendus précédemment. Il est pourtant un rien ennuyeux...

Le point culminant de ces cinq concerts sera atteint pour moi avec le quatuor nº9 de Beethoven. Le deuxième mouvement avec son rythme ternaire inlassablement marqué par les pizz. du violoncelle m'a particulièrement enthousiasmé ! Les fugues dans le troisième ! La virtuosité du quatrième !

La cohésion des musiciens est étonnante bien qu'ils jouent sans véritablement se regarder : je n'ai détecté qu'un œil droit d'altiste qui fixait le premier violon. En outre, mon intérêt est sans cesse ravivé par d'infimes petits détails d'interprétation comme certains changements presque subliminaux de dynamique et le vibrato...

(Ce concert sera retransmis sur France Musique le premier février à 14h.)

Zvezdo assistait également à ce concert, voici un lien vers son billet.

⁂

Si j'ai pris un certain plaisir pendant le premier mouvement du quatuor de Haydn, je me suis ennuyé pendant toute la suite. C'est un comble de s'ennuyer pendant un quatuor de Haydn. Si l'attitude souriante du premier violon et celle plus intériorisée du violoncelliste sont séduisantes pour l'œil, les oreilles ne sont pas satisfaites par l'ensemble. Lors des précédents concerts, il s'est toujours trouvé des moments où le tout était indiscutablement meilleur que la somme des parties. Je n'ai pas éprouvé de tel plaisir harmonique au cours de ce concert. Si le Schubert m'a moins déplu que le reste, j'étais comme perdu au milieu de cette œuvre. En outre, étant encore placé au premier rang, mes yeux se prenaient la lumière dirigée vers l'avant-scène ; j'ai dû lutter pour rester éveillé...

Lien permanent — Commentaires

Kátia Kabanová aux Bouffes du Nord

2012-01-18 01:36+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je ne sais pas pourquoi Nicolas Joel, le directeur de l'Opéra de Paris avait eu l'idée saugrenue de remonter la production de Salomé mise en scène par André Engel. Cela ne donnait pas très envie d'aller voir d'autres spectacles de ce metteur en scène. Heureusement, j'avais alors déjà acheté ma place pour la première de Kátia Kabanová mise en scène par celui qui avait déjà été l'auteur d'une belle production d'un autre opéra de Janáček : Příhody Lišky Bystroušky.

En m'installant à la corbeille, je peux déjà voir que le décor s'inscrit parfaitement dans le lieu. Ce décor est une terrasse surélevée à laquelle on accède à l'avant par un petit escalier. Un autre escalier est situé à l'arrière (côté jardin). Une porte à l'arrière de la terrasse sert d'entrée pour les rendez-vous nocturnes. La terrasse a la même couleur noire que le sol du théâtre et les surfaces verticales du décor sont en rouge-Bouffes-du-Nord. (Comme j'ai aperçu David, il sera sans doute possible de voir quelques photographies chez lui.)

Quand le personnage de Kátia entre sur scène, on sait immédiatement comment elle se donnera la mort. Elle s'approche en effet dangereusement du parapet de la terasse. Elle répétera plusieurs fois ce mouvement. Que ce geste devienne une évidence permet de mieux distinguer les nombreuses annonces de la mort de l'héroïne qui se trouvent dans le texte. Il n'y a pas d'autre issue possible.

Si la récente superproduction Manon était dénuée de théâtre, cette mise en scène n'en manque pas ! Le tyrannique personnage de Kabanicha mène tout le monde. Amorphe, son fils Tichon obéit sans réfléchir. Elle flagelle son amant Saviol qui ne demande que ça. Quand Kátia est morte, elle s'empare de son alliance et la met à son doigt...

La scène de l'orage est accompagnée de sons enregistrés et d'éclairages qui se propagent dans tout le théâtre pour donner l'illusion de la survenue d'éclairs. Les ruines que Kouliguine et Koudriach explorent et éclairent de leurs lampes au début de ce troisième acte ne sont rien moins que le théâtre lui-même ! Avec le décor, c'est véritablement une production sur mesure pour les Bouffes du Nord !

Une autre originalité de la mise en scène est la façon dont se passe le récit que Kátia fait à son amie Varvara de son rêve d'un amour (qui s'oppose forcément à sa morale chrétienne). La scène devient pour ainsi dire un duo d'amour tant Kátia se comporte comme si Varvara était son amant.

Tout cela est fort bien mené, on ne s'ennuie pas une seconde et on est tout étonné que cela se termine si vite. Les chanteurs (et particulièrement l'interprète du rôle de Kátia : Kelly Hodson) m'ont fait une bonne impression. Par rapport à l'expérience semblable qu'avait été La Flûte enchantée de Peter Brook, s'agissant d'une musique que je connais beaucoup moins, et dont j'ai pourtant pu apprécier l'extrême beauté dans toute sa richesse orchestrale il y a un an à Garnier, la magie opère moins sur moi du fait de la réduction de la musique au piano seul.

Lien permanent — Commentaires

Manon à Bastille

2012-01-15 01:56+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Nous n'en sommes qu'à la deuxième représentation, pourtant tout le monde a déjà pu lire un nombre invraisemblable de critiques toutes plus violentes les unes que les autres envers la nouvelle production de Manon (Massenet) mise en scène par Coline Serreau à l'Opéra Bastille.

Les décors sont loin d'être ratés. Celui du deuxième acte est même franchement réussi : une façade d'hôtel faisant environ un tiers de la largeur de la scène descend des cintres. Arrivée au sol, elle se penche vers l'avant, et étant maintenant complètement à l'horizontale, elle permet au spectateur de voir la chambre de Manon et du chevalier (le procédé ressemble à ce qu'avait fait Tcherniakov dans Macbeth). Ce qui est ridicule, c'est entre autres de faire paraître une couronne et une écharpe de Miss Arras quand Manon se voit belle (cela me rappelle l'armure qui descendait des cintres dans La Dame du Lac). Un certain nombre de détails du livret seront illustrés par des accessoires ou éléments de décors jetables (aussitôt utilisés aussitôt abandonnés). Il en va de même du cortège de femmes proscrites au cinquième acte : purement décoratif.

Les costumes qui mêlent toutes les époques n'ont rien de scandaleux. Encore faudrait-il en faire quelque chose d'intéressant ou de joli... Que Lescaut habillé en punk se déclare garant de l'honneur de la famille est assez ironique. Les coupes (qui n'étant pas expert ès Massenet je ne pourrai détailler) n'aident pas le spectateur à comprendre ce que la mise en scène ne montre pas. Je me demande ainsi comment on est censé comprendre pourquoi le chevalier se fait tabasser à la fin du deuxième acte.

Sur scène, le mouvement et les gesticulations ne manquent pas. On voit ainsi des patineuses à roulettes à Saint-Sulpice. Le cheval de Guillot est une moto à l'arrière de laquelle Manon grimpe en amazone (comme le font les Indiennes en sari...). Comme pour les décors et les costumes, je ne pense pas que ce soit cela qu'il faille moquer ou critiquer. À mon avis, le plus gros problème de cette production, c'est qu'il n'y a pas de théâtre. Les chanteurs, le dos bien droit, comme des piquets, chantent face au public. Un coup de foudre se déclare à vingt mètres de distance sans qu'un regard soit échangé. C'est d'un ennui glaçant.

J'avais un meilleur souvenir de l'œuvre de Massenet (que je ne connaissais que par le DVD de la production de David McVicar avec Dessay/Villazón). La musique contient trois ou quatre motifs (qui ne manquent pas de beauté). Ils reviennent dans l'œuvre comme des rappels d'un certain passé dans le point de vue du héros (qui est plutôt le chevalier Des Grieux que Manon). Peut-être que je fais maintenant davantage attention à ce genre de choses ? En tout cas, j'ai trouvé que la musique se répétait beaucoup.

L'orchestre et le chœur m'ont semblé très bons, tout comme les trois chanteuses issues de l'atelier lyrique : Olivia Doray (Poussette), Carol García (Javotte) et Alisa Kolosova (Rosette). Franck Ferrari (Lescaut) est le soliste que j'ai pris le plus de plaisir à écouter. Giuseppe Filianoti (Le chevalier Des Grieux) m'a paru moins à l'aise que dans les Contes d'Hoffmann. Il en impose trop. Ce serait mieux s'il chantait moins fort, sans crier. Il reste le cas Dessay (Manon). Sa voix est beaucoup critiquée. Je pense qu'elle a encore les moyens d'émouvoir par son chant. Cependant, ce soir, il y a eu une poignée de couacs. Le timbre s'altère parfois inopinément et une fois, la voix s'est éteinte au milieu d'une phrase musicale. Les notes aiguës n'ont pas l'air de lui poser de problème, même si elles sont moins éblouissantes que dans le passé. Ce qui m'a le plus gêné, c'est le manque de volume pendant de nombreux passages de récitatifs chantés. Il fallait vraiment tendre l'oreille pour entendre le son de sa voix, alors même que l'orchestre ne semblait pas jouer particulièrement fort. Le duo de Saint-Sulpice tenait la route, mais il a manqué d'émotions, comme la production dans son ensemble.

À la fin des actes, le public se met bizaremment à applaudir quelques secondes avant que la musique se termine. Une fois l'opéra exécuté, on a très vite rallumé les lumières, laissant très peu de temps aux chanteurs pour recueillir des applaudissements. Formidable ambiance. Encore une nouvelle production ratée ! Quand on pense que ces productions auront vocation à être reprises dans les années qui viennent... Je rappelle que pour le moment la seule nouvelle production de l'ère Nicolas Joel qui tienne la route est celle de Mathis der Maler.

Ailleurs : David, Paris Broadway, Gilda.

Lien permanent — Commentaires

L'Orchestre de Paris dirigé par Herbert Blomstedt à Pleyel

2012-01-13 01:13+0100 (Orsay) — Culture — Musique

Les concerts de l'Orchestre de Paris se suivent et continuent à me plaire. La symphonie fantastique et La nuit transfigurée sont encore bien en mémoire et pourtant il faut déjà faire une petite place pour le concert de ce soir.

La première œuvre au programme est le quatrième concerto pour piano de Beethoven que j'ai déjà eu l'occasion d'entendre plusieurs fois en concert (la dernière fois avec Rafal Blechacz et le même orchestre). Au piano, Till Fellner, que je vois passer sur les programmes de concert depuis pas mal d'années déjà, mais que je n'étais malheureusement jamais allé écouter. Rarement une pianiste ne m'aura autant émerveillé par son jeu. La variété des sons produits, des différences de technique très marquées d'un passage à l'autre sont un régal pour les oreilles autant que pour les yeux, depuis ma place d'arrière-scène. Les cadences (qui ne sont semble-t-il pas les mêmes que celles dont je me rappelais) m'ont semblé particulièrement belles. C'est en homme plein de bonté que Herbert Blomstedt (84 ans) dirige l'orchestre. Il étire jusqu'à l'extrême lenteur le tempo du deuxième mouvement. L'attaque du troisième mouvement n'en est que plus brillante.

Pendant l'entr'acte, la scène est un champ de bataille. On n'arrive pas à faire sortir le piano. Un autre ascenseur semble bloqué en position basse à l'arrière de la scène où prendront place les percussionnistes et des cornistes. Après quelques minutes, une voix annonce ce que tout le monde pouvait constater, à savoir qu'il y avait un problème. Au bout d'un moment, les ascenseurs se remettent à fonctionner, ce qui permet notamment d'escamoter le piano et de replacer les chaises, en très grand nombre, puisque de quatre contrebasses pendant la première partie, on passe à huit contrebasses. Neuf cors, trois bassons et un contrebasson, etc.

Comme La symphonie fantastique (Berlioz), Une vie de héros (Strauss) est une œuvre symphonique autobiographique. Dans la première partie, le thème du héros (un tantinet pompeux) se fait entendre. Plus loin, les instruments à vents singent les ridicules critiques qui n'aiment pas Strauss. Ensuite, dans un mini-concerto pour violon (superbe Roland Daugareil), c'est la compagne du héros qui est évoquée. Après la présentation des personnages, c'est un déferlement orchestral qui intervient (Le Champ de bataille du héros). C'est d'une beauté insoutenable. Après un tel sentiment de plénitude, les deux dernières parties très apaisantes permettent de revenir sur terre.

Les applaudissements ont été particulièrement nourris et les claquements de pieds des musiciens pour féliciter le chef l'ont été tout autant. Celui-ci est allé serrer des mains un peu partout dans l'orchestre. En partant, il a fait un signe sympathique en direction de mon contrebassiste préféré. Je ne suis pas mécontent de savoir qu'il reviendra diriger l'orchestre en septembre 2012 et en janvier 2013.

Lien permanent — Commentaires

Le Ballet royal du Danemark à Garnier

2012-01-11 02:00+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Danse

Je sors peu enthousiaste de la dernière représentation de la compagnie du Ballet royal du Danemark à Garnier dans le ballet Napoli, créé en 1842 par August Bournonville et présenté ici dans une version remaniée en 2009 (avec en particulier une musique nouvelle dans le deuxième acte).

Au premier acte, on ne danse pratiquement pas. À part quelques petits passages à deux entre les personnages de Teresina et Gennaro et d'autres pour des petits groupes de danseuses ou de danseurs, il n'y a que de la pantomime. (J'ai pensé comme Jean-Pierre Papin il y a quelques décennies dans les Guignols : Mais quand est-ce qu'ils chantent ?.) La mère de Teresina n'apprécie guère que Gennaro s'approche de sa fille, qui se chamaille parfois avec lui quand il semble intéressé par une autre jeune femme. Les gestes des danseurs paraissent artificiels, exagérés. Les quelques pas de danse manquent souvent de fluidité. Le peu de variété dans les petits sauts effectués par les danseurs devient rapidement lassante. Heureusement, mon intérêt est ranimé vers le milieu de l'acte par l'insertion dans la musique d'un extrait du Barbier de Séville de Rossini (l'air de la calomnie).

L'ambiance change radicalement au deuxième acte. À la fin du premier acte, Teresina s'était noyée (je n'ai pas vu comment, c'était dans un angle mort) et encouragé par une passante énigmatique Gennaro s'était décidé à plonger pour la sauver. La jeune femme se retrouve inanimée au centre de la scène vaporeuse où résident les naïades. On ne sait pas très bien si on est dans Giselle, Orphée et Eurydice, Le Sacre du printemps ou au Venusberg. La jeune femme est en effet entourée de naïades qu'elle va peut-être devoir rejoindre, un monstre marin ayant prévu d'en faire sa créature. Bien sûr, Gennaro arrive (guitare à la main) et sort son amie de là. Pour cela, il lui suffit de donner à Teresina son amulette pour qu'elle reprenne ses esprits et décide de repartir avec lui. Le monstre marin ne proteste même pas ! Très esthétique, ce deuxième acte se laisse bien regarder, même si la chorégraphie du personnage du monstre marin ne me convainc guère. La musique, jouée par l'Orchestre Colonne, m'a en revanche beaucoup plu (avec des voix spatialisées pour représenter les grognements du montre).

Au troisième acte, de nombreux solos et ensembles accompagneront les célébrations du retour des amoureux. Du point de vue de la danse, c'est plus intéressant que tout ce qui aura été vu jusque là, mais le divertissement semble très artificiel (comme cela peut être aussi le cas dans d'autres ballets, comme Paquita). Il ne s'agit que de danse pure qui n'exprime rien d'autre que la joie.

Bref, du point de vue narratif, c'est assez léger et naïf (comme le sont les projections animées utilisées comme décor de fond de scène). Aucune réelle émotion ne se fait ressentir, et à part peut-être au troisième acte, aucun passage n'est véritablement éblouissant techniquement. Heureusement, il y avait l'Orchestre Colonne !

Ailleurs : Le petit rat, Danses avec la plume, Blog à petits pas, Musica Sola, Palpatine, Mimy la souris.

Lien permanent — Commentaires

La Traviata à Dijon

2012-01-08 23:04+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Au début d'un concert, il suffit parfois de quelques secondes pour savoir si la soirée sera à mettre aux oubliettes (cf. la Cenerentola à Garnier). À l'inverse, une petite gamme vocalisée par le chanteur pour se chauffer la voix peut suffire à se décider qu'on va assister à un grand concert (cf. Wasifuddin Dagar). La représentation de La Traviata de ce samedi à Dijon appartient à cette deuxième catégorie. Après avoir entendu les toutes premières secondes du Prélude, je savais que ç'allait être un grand moment d'opéra pour moi. J'en avais déjà les larmes aux yeux. J'étais complètement liquéfié quand Irina Lungu (Violetta) a commencé à chanter.

Il faut dire aussi que j'étais dans de très bonnes dispositions. Je n'avais jamais eu l'occasion de voir La Traviata. Je m'étais décidé à m'abonner quand j'avais su que cet opéra était programmé. Par ailleurs, je faisais partie de la petite douzaine de spectateurs qui avaient assisté à la rencontre avec le metteur en scène Jean-François Sivadier (c'est la même production que celle du dernier festival d'Aix-en-Provence). Une rencontre ? plutôt une discussion à bâtons rompus qu'il a fallu interrompre quand les autres spectateurs ont afflué autour du bar et qu'on ne s'entendait plus. Il est dommage que la rencontre n'ait pas été annoncée plus largement... On peut penser que plus de 1% des spectateurs auraient été intéressés ! Il est par ailleurs dommage que cette rencontre fût apparemment réservée à ceux qui assistaient à cette représentation. Ah, en fait, j'ai compris : sur le site, la rencontre était annoncée pour le samedi 7 décembre...

L'auditorium a une drôle d'architecture (en forme de piano à queue). Il faut montrer patte blanche à l'entrée en bas d'un escalator qui conduit à un no man's land au deuxième étage enjambant le boulevard de Champagne avant de prendre d'autres escaliers mécaniques pour redescendre au rez-de-chaussée... Cela me rappelle la BnF et les malls indiens.

Au bout du foyer, je m'installe donc pour la rencontre avec Jean-François Sivadier. Sa façon de parler du théâtre et de la mise en scène d'opéra m'a bien plu. En préambule, il avait commencé par dire L'économie de l'opéra, c'est complètement absurde !. Il a ensuite expliqué qu'une grande partie de son travail était de faire que la technique vocale soit partie intégrante du jeu d'acteur. Un violoniste ne joue pas qu'il joue du violon. Le point de départ de la mise en scène est donc constitué des mouvements que doivent faire les chanteurs pour interpréter la musique telle qu'elle a été conçue par Verdi. Il doit aussi aller contre les clichés et idées préconçues que pourraient avoir les chanteurs sur la façon de jouer. Il explique que l'axe de l'opéra oppose le mot Jouir que répète inlassablement Violetta au premier acte et l'Amour que lui porte Alfredo. Avec cette idée en tête, pendant la représentation, il est évident que pour Violetta, tout bascule dans la dernière scène du premier acte : peu après qu'elle a dit gioir!... gioir!..., elle entend Alfredo chantant Amor, amor à palpito depuis les coulisses.

Il explique aussi aimer diriger les chanteurs comme des danseurs et être fasciné par Pina Bausch. On peut d'ailleurs déceler une évidente référence à son univers dans sa mise en scène : à un moment, Violetta avance sans prendre garde aux chaises noires qui font obstacle devant elle et qu'un homme se précipite pour les écarter de son chemin (cf. Café Müller).

L'idée principale de la mise en scène est de concevoir que se déroule sur scène une énorme fête au début de laquelle un homme, qui pourrait être un spectateur, décide de déclarer son amour à Violetta, qui se prend à rêver que c'est vrai. Quelques chanteurs-comédiens sont déjà sur scène (à fumer) quand les spectateurs s'installent à leur place. Certains chanteurs entreront via les allées du parterre (où je suis impérialement placé ; c'est un petit plaisir bien plus abordable à Dijon qu'à l'Opéra Bastille !). Un rideau tiré d'un côté à l'autre de la scène (parfois à moitié) semble plus ou moins séparer deux univers : le réel et le rêve. Au cours de cette fête s'insère un épisode à la campagne : des panneaux descendus des cintres et représentant une végétation bucolique et un ciel transpercé de nuages viennent créer cette ambiance visuelle tout en cloisonnant l'espace scénique que l'on peut concevoir comme étant une maison de campagne divisée en plusieurs pièces.

Tous les chanteurs et choristes m'ont donné une impression de vérité dans leur jeu. J'ai rarement vu une telle cohésion et autant de conviction partagée par tous sur une scène d'opéra. L'orchestre quand il a de quoi se mettre en valeur (comme au début des premier et troisième actes) le fait très bien. Malheureusement, le début du troisième a été pourri par les tousseurs (dont un en particulier qui n'arrêtait pas à quelques mètres derrière moi et qu'une de ses voisines suppliait de sortir). L'orchestration n'est pas de Prokofiev ou de Britten, mais il y a néanmoins de quoi prendre un certain plaisir à découvrir des détails insoupçonnés lors de précédentes écoutes au disque (ou au DVD). Le chef fait un remarquable usage du rubato, qui sert ici particulièrement bien le drame. Du côté des voix, les trois rôles principaux sont remarquablement bien interprétés. Irina Lungu (Violetta) était annoncée souffrante, mais je n'ai rien remarqué de particulier, à part un timbre légèrement altéré pendant les aigus du premier acte. Jesús León (Alfredo) a été parfait. J'ai eu un tout petit peu peur lors de la première intervention un peu criée de Dimitris Tiliakos (Germont), mais son volume de voix s'est vite équilibré. On peut également noter un excellent Laurent Alvaro dans le rôle de Douphol. Un seul petit maillon faible vocal est à signaler dans le rôle d'Annina.

Standing-ovation méritée !

Lien permanent — Commentaires

Renaud Machart et Nicolas Joel

2012-01-05 20:22+0100 (Orsay) — Culture — Musique — Opéra

Je suis loin d'être d'accord avec tout ce qu'écrit Renaud Machart dans Le Monde, mais j'approuve le paragraphe suivant à propos de l'Opéra de Paris (dirigé par Nicolas Joel), extrait de l'article intitulé L'institution lyonnaise tient la dragée haute à la parisienne paru dans l'édition du 6 janvier 2012 du Monde :

Nicolas Joel dit volontiers qu'il préfère une production éprouvée à une nouvelle mise en scène ratée. L'ennui est que les productions venues d'ailleurs le sont aussi (ratées) le plus souvent et que les nouvelles productions ne le sont pas moins.

Lien permanent — Commentaires

Nouvel hébergement : Arjuna

2012-01-02 13:20+0100 (Orsay) — Culture — Culture indienne

Après presque six ans de bons et loyaux services, une poignée de reboots seulement et des uptimes très longues (751 et 564 jours pour les plus prolongées), je vais bientôt faire débrancher l'ordinateur agastya.jriou.org qui hébergeait ces pages. Son successeur arjuna.jriou.org va me coûter environ deux fois moins (Kimsufi 2G). Celui-ci répond à ce nom et à celui de jriou.org depuis une semaine environ. Comme d'autres utilisent des noms de bateaux, j'ai pioché dans la mythologie indienne pour choisir ce nom. Dans le Mahābhārata, Arjuna est un archer fils d'Indra, héros de deuxième fonction, deuxième époux de Draupadi. Dans l'iconographie, on le voit souvent sur son char conduit par Krishna, comme ici au sommet du modeste Shri Sita Ram Kalyan Mandapa à Vrindavan :

Détail qui tue, on remarque le singe Hanuman qui est l'étendard de ce char...

Depuis quelques jours, en haut de la colonne de droite, on peut voir des liens vers les derniers commentaires publiés sur ce blog et depuis quelques minutes, un peu plus bas après la liste des catégories de billets apparaît une blogroll, enfin ! Y sont mentionnés quelques blogs tous très recommandables apparaissant dans un ordre assez arbitraire. Si vous avez désactivé Javascript, a priori, vous ne voyez rien... Comme je tiens à avoir un site Web statique (du côté serveur au moins), je veux dire par là que lorsque votre navigateur charge une page, le sus-nommé serveur arjuna n'a qu'à envoyer dans les tuyaux un fichier HTML déjà prêt, ajouter du contenu dynamique posait problème. (Avec la plupart des moteurs de blogs, les pages sont au contraire générées à la demande. Elles sont peut-être plus fraîches, mais elles mettent souvent un peu plus de temps à s'afficher parce que le processus utilise des scripts, qui doivent être interprétés, et des bases de données, dans lesquelles il faut faire des recherches automatiques.) J'aurais pu faire générer statiquement à intervalles réguliers toutes les pages du blog pour inclure la liste des derniers commentaires et cette blogroll : cela aurait été inélégant... Ce n'est pas forcément beaucoup mieux, mais j'ai choisi d'utiliser AJAX : au chargement d'une page, le navigateur va télécharger quelques petits fichiers qui sont inclus dans la page.

Lien permanent — Commentaires